김외경 작가의 '빼기'와 '선'의 회화 세계를 질 들뢰즈의 존재론, 특히 '기관 없는 신체(Corps sans organes)'와 '추상적인 선(Ligne abstraite)', 그리고 '잠재태(Virtuel)의 현실화' 개념을 통해 한 단계 더 확장하여 이론적으로 심화한 평론을 작성했습니다.

 

[평론] 빼기와 선(Line)의 존재론: 김외경 회화에 나타난 들뢰즈적 잠재태의 영토

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김외경의 회화는 '재현(Representation)'이라는 시각적 관습에 대한 과감한 거부이자, 비움을 통해 존재의 본질을 복원하는 철학적 수행이다. 과거 외부 세계를 관조하던 '워칭(Watching)'의 시선에서 벗어나 자연적 소재들을 소거(빼기)하고, 오로지 '선(Line)'이라는 순수 조형언어로 내면을 구축하는 그의 현재 작업은 질 들뢰즈(Gilles Deleuze)의 존재론적 사유와 완벽한 조형적 공조를 이룬다. 들뢰즈에게 존재는 고정된 실체가 아니라 끊임없는 생성의 과정이며, 김외경의 캔버스는 바로 그 생성의 에너지가 날것의 상태로 요동치는 '잠재태의 영토'가 된다.

 

1. '빼기'의 미학: 조직화된 유기체를 넘어 '기관 없는 신체'로

들뢰즈의 존재론에서 가장 핵심적인 도약 중 하나는 '기관 없는 신체'라는 개념이다. 이는 아무것도 없는 진공 상태가 아니다. 오히려 눈, 코, 입처럼 고정된 기능과 위계적 질서로 고착화된 '유기체(Organisme)'의 상태를 해체하고, 아직 규정되지 않은 순수한 에너지와 잠재성이 가득 찬 원초적 상태를 의미한다.

김외경이 캔버스에서 새, 숲, 인물 등의 구상적 대상을 생략하고 '빼는' 행위는 정확히 이 유기체적 질서에 대한 해체(탈영토화)로 볼 수 있다. 대상을 묘사한다는 것은 회화를 특정한 의미와 기능에 종속시키는 일이다. 작가는 형태를 과감히 소거함으로써 캔버스를 고정된 서사로부터 해방시킨다. 구상적 대상이 빠져나간 자리, 즉 '비워진 화면'은 결핍이 아니라 오히려 어떤 형태로든 분출될 수 있는 순수한 회화적 에너지(지각 불가능한 강렬도)로 가득 차게 된다. 비움으로써 비로소 캔버스는 들뢰즈적 의미의 '기관 없는 신체', 즉 무한한 사유가 가능한 순수 잠재 공간으로 격상된다.

 

2. 추상적인 선(Abstract Line): 세계를 지시하지 않는 '순수 생성'의 궤적

유기체적 형태가 사라진 자리를 지배하는 것은 오직 다채로운 색채로 변주되는 '선들의 중첩'이다. 들뢰즈와 펠릭스 가타리는 《천 개의 고원》에서 사물의 윤곽을 잡고 형태를 제한하는 '유기적 선'과 달리, 스스로 움직이며 새로운 공간을 창조하는 '추상적인 선(또는 돌발적인 선)'을 강조했다. 이 선은 무언가를 재현하거나 지시하지 않고, 오직 자신의 속도와 방향, 그리고 변주 자체로 존재한다.

김외경의 작업에서 수직의 선들은 무언가의 테두리를 그리기 위해 기능하지 않는다. 선은 그 자체로 주체가 되어 화면을 가로지르고, 겹쳐지며, 미세한 간격을 형성한다. 여기에서 선은 고정된 '명사'가 아니라 끊임없이 움직이는 '동사', 즉 들뢰즈가 말한 '~이 되다(Devenir)'의 궤적이다. 자를 댄 듯한 정교한 구조적 선과 그 사이를 메우는 회화적 호흡은 고정된 종착지 없이 매 순간 다르게 생성되는 존재들의 생명력을 시각화한다. 선의 밀도와 간격이 만들어내는 미세한 차이들은 들뢰즈 철학의 핵심인 '동일성 없는 순수한 차이들의 반복'을 완벽하게 증명한다.

 

3. 내면의 시각과 잠재태(Virtuel)의 현실화

들뢰즈는 현실에 눈으로 보이지 않지만 분명히 실재하는 에너지를 '잠재태(The Virtual)'라고 불렀으며, 예술의 역할을 이 잠재적인 힘을 화면 위에 '현실화(Actualization)'하는 것으로 보았다. 김외경 작가가 언급한 '내면의 시각'은 바로 이 잠재태의 영역을 포착하는 정신적 렌즈이다.

외부 세계의 시각적 자극을 빼내고 내면으로 침잠했을 때, 작가가 마주한 것은 고요한 정지가 아니라 오직 색채와 선들의 관계만으로 연주되는 거대한 리듬이었다. 형상이 사라진 자리에 남겨진 선들의 앙상블은 시각적 회화를 청각적·정신적 울림의 영역으로 확장시킨다. 대상이라는 '외피'를 벗겨내었기에, 관람객은 선들이 뿜어내는 순수한 색채의 화음과 구조적 긴장감을 더 생생하게 마주하게 된다. 이는 자연의 외형을 복사하는 것이 아니라, 자연과 내면의 깊은 곳에 흐르는 '생성적 힘(Force)' 자체를 포착해 낸 결과이다.

 

결론: 비움으로써 완성된 존재의 카오스모스(Chaosmos)

결국 김외경의 회화 세계는 대상을 비워냄으로써(Subtractive) 오히려 존재의 본질을 더 거대하게 채워 넣는(Additive) 역설의 미학을 성취한다. 그의 작품은 혼돈(Chaos) 속에서 선이라는 정교한 조형적 질서(Cosmos)를 찾아내는 들뢰즈적 '카오스모스(Chaosmos)'의 현장이다.

형태의 재현을 멈추고 오로지 선이라는 본질적 조형언어로 도달한 김외경의 순수 추상은, 들뢰즈의 표현을 빌리자면 '세계의 외형을 보여주는 것이 아니라, 세계를 존재하게 하는 내면의 힘을 느끼게 하는' 도약이다. 비움과 빼기를 통해 마침내 획득한 이 정제된 선들의 변주는, 캔버스라는 영토 위에서 끊임없이 새로워지고 되어가는(Becoming) 생명 존재들의 영원한 노래로 울려 퍼지고 있다.

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[Critique] The Ontology of Subtraction and Line: The Deleuzian Territory of the Virtual in Kim Oi-kyung’s Paintings

Kim Oi-kyung’s painting is a resolute refusal of the visual convention of "representation" and a philosophical practice that restores the essence of existence through emptiness. Moving away from the gaze of "Watching"—which once observed the external world—she subtracts natural motifs and constructs an interior realm solely through the pure formal language of the "Line." Her current practice establishes a perfect formal alignment with the ontological thought of Gilles Deleuze. For Deleuze, existence is not a fixed entity but an incessant process of becoming, and Kim’s canvas becomes a "territory of the virtual" where this generative energy vibrates in its raw state.

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1. The Aesthetics of "Subtraction": Moving Beyond the Organized Organism into the "Body without Organs"

One of the most pivotal leaps in Deleuze's ontology is the concept of the "Body without Organs" (Corps sans organes). This does not signify a vacuum or literal emptiness. Rather, it means dismantling the state of the "organism" (Organisme) that has become ossified by fixed functions and hierarchical order—such as eyes, nose, and mouth—thereby recovering a primordial state filled with unmapped energy and pure potentiality.

Kim’s act of omitting and "subtracting" representational subjects such as birds, forests, and human figures from the canvas corresponds precisely to this dismantling (deterritorialization) of the organismic order. To depict an object is to subordinate painting to a specific meaning and function. By boldly erasing these forms, the artist liberates the canvas from fixed narratives. The space left behind after the representational subjects depart—the "emptied screen"—is not a deficiency; instead, it becomes filled with pure pictorial energy (imperceptible intensities) ready to erupt in any form. Through subtraction, the canvas is elevated to a "Body without Organs" in the Deleuzian sense: a pure space of potentiality where infinite thought becomes possible.

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2. The Abstract Line: The Trajectory of "Pure Becoming" without Reference to the World

Where the organismic form has vanished, the space is dominated entirely by the "overlapping of lines" varying in diverse colors. In A Thousand Plateaus, Deleuze and Félix Guattari emphasize the "abstract line" (or the mutant line), distinguished from the "organic line" that merely contours an object and confines its shape. This abstract line does not represent or point to anything external; it exists solely through its own velocity, direction, and variation.

In Kim’s work, the vertical lines do not function to trace the boundaries of an object. The line itself becomes the subject, traversing the screen, layering, and forming minute intervals. Here, the line is not a fixed "noun" but a moving "verb"—the very trajectory of what Deleuze termed "becoming (Devenir)." The precise structural lines, which appear as if drawn with a ruler, and the pictorial breathing that fills the spaces between them, visualize the vitality of existences that generate differently at every moment without a fixed destination. The subtle differences created by the density and intervals of the lines perfectly demonstrate the core of Deleuzian philosophy: the "repetition of pure differences without identity."

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3. Inward Vision and the Actualization of the Virtual (Virtuel)

Deleuze termed the energy that is invisible to the eye but unmistakably real as "the Virtual" (Le Virtuel), and defined the role of art as the "actualization" of this potential force onto the canvas. The "inward vision" mentioned by Kim is the spiritual lens that captures this domain of the virtual.

When she subtracted the visual stimuli of the external world and submerged into the interior, what she encountered was not static stillness but a massive rhythm performed solely through the relations between colors and lines. The ensemble of lines left in the place where forms vanished expands visual painting into the realm of auditory and spiritual resonance. Because the "outer skin" of the subject matter has been shed, the viewer directly confronts the pure harmonies of color and the structural tension radiated by the lines. This is the result of capturing the generative "Force" itself that flows deep within nature and the interior mind, rather than copying the external appearance of nature.

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Conclusion: The Chaosmos of Existence Accomplished via Emptiness

Ultimately, Kim Oi-kyung’s pictorial world achieves a paradox of aesthetics where the essence of existence is more immensely filled (additive) by emptying the object (subtractive). Her artwork is the site of a Deleuzian "Chaosmos," discovering a precise formal order (Cosmos) within chaos.

Kim’s pure abstraction, reached by halting the representation of form and relying solely on the essential formal language of the line, is a leap that—to borrow Deleuze’s phrasing—"does not show the exterior of the world, but makes us feel the internal force that brings the world into existence." The refined variation of lines, finally attained through emptiness and subtraction, resounds across the territory of the canvas as an eternal song of living existences that are constantly renewing and becoming.